10 самых сильных концовок фильмов за все времена

Великие фильмы великих режиссеров.

Согласно нескольким учебникам по сценарному искусству США, фильм обычно разделен на три части, пишет Taste of Cinema. Первая: начало, презентация вселенной фильма, которая будет исследоваться в течение всего фильма. Вторая: развитие возможного конфликта, кульминация. Третья: эпилог; разрешение столкновений, созданных ранее, ключевой момент.

Последнее впечатление, последний проблеск, последний взгляд - это то, что зритель запоминает лучше всего. Некоторые финалы захватывают зрителя врасплох («Сияние»), поражают драмой («Полет над гнездом кукушки»), последним вздохом («Месть») или, возможно, искуплением («Унесенные ветром").

И конечно, самыми запоминающимися являются концовки, которые вызывают интенсивные и часто драматические эмоции. В этом списке из 10 собраны именно такие -  драматические, сюрреалистические, поэтические и загадочные.

10. Объятие змея (Ciro Guerra, 2015)

«Объятие змея» - одно из самых поэтических произведений за последние несколько лет, без сомнения, шедевр латиноамериканского кино. Чиро Гуерра подошел к вопросу со всей тщательностью и деликатностью, которые необходимы для решения таких деликатных вопросов, как колонизация и исследование.

Фильм о путешествии больного немецкого исследователя Тео и уроженца Карамакате через джунгли Амазонки в поисках редкого и чудесного растения. Сорок лет спустя другой иностранец, Эван, отправляется в то же путешествие с Карамакате.

В конце фильма они прибывают в гору, и Эван, наконец, может попробовать редкое растение. Карамакате наносит смесь на Эвана, исследователь теряет сознание, и появляется последовательность из галлюциногенных изображений. Они относятся к генезису вселенной, уводя фильм от его прежнего пейзажа; также камера плавает среди гор, в то время как на заднем плане слышны тяжелая музыка и ритуальный шепот.

Весь фильм черно-белый, пока Эвен не потерял сознание. С этого момента «Объятие Змея» начинает окрашиваться в лабиринтные формы, напоминающие движение змея. Такие галлюцинации, проведенные мастерски, дарят зрителю онирические проекции, вызванные магическим растением.

9. Фотоувеличение (Микеланджело Антониони, 1966).

Один из трех англоязычных фильмов режиссера стал манифестом 60-х годов. Сытый по горло жизнью в искусственном мире Томас, известный модный фотограф, оказывается в шоке от фотографии возможного убийства. Преследуемый моделями и загадочной женщиной, Томас становится все более апатичным к миру, в котором он живет.

Фильм заканчивается тем, что группа мимов изображает воображаемый теннисный матч в парке. Под озадаченным взглядом фотографа группа продолжает играть, пока предполагаемый теннисный мяч не будет выброшен с корта. Все они смотрят на Томаса; он, чувствуя себя неловко, идет к газону и поднимает мяч, возвращая его мимам. Все еще наблюдая за матчем, он слышит, как мяч подпрыгивает на теннисном корте.

Здесь Томас переживает кризис. Однообразие его жизни довело его до предела; он не знает, действительно ли произошло убийство или это была просто проекция его бессознательного, стремящегося к каким-то действиям. Он идентифицирует себя с мимами, которые составляют действия, чтобы удовлетворить их неинтересное существование.

Когда он меньше всего этого ожидает, он начинает верить в выдуманный матч мимов. Когда простота жизни не удовлетворяет кого-то, они пытаются сделать что-то более динамичное из этого, даже если это стоит им вменяемости.

8. Беспечный ездок (Деннис Хоппер, 1969)

Деннис Хоппер, великий актер, зарекомендовал себя еще и хорошим режиссером. Выложив на экран небольшую часть культуры хиппи в США, режиссер отметил целое поколение молодых люейи, которые были вдохновлены смелостью и мужеством двух главных героев этого произведения. Конечно, его влияние сочеталось с фантастическим выбором саундтрека, который до сих пор перекликается с фантазиями старых молодых хиппи.

«Беспечный ездок» рассказывает историю двух байкеров, Билли и Уайетта, которые пересекают южную часть США, чтобы продать наркотики. Завершая сделку, они возвращаются, чтобы как можно быстрее путешествовать по стране, чтобы прибыть вовремя к Марди Гра, одному из самых знаменитых праздников в мире. Во время их трудного путешествия пара пересекается с эксцентричными фигурами, которые по-своему раскрывают часть американского общества в 1960-х годах.

Подходя к концу своего путешествия - после поездок с кислотой, убийств и общения с проститутками - Билли и Уайетт возвращаются. Посреди этого они встречают двух мужчин в фургоне, которые, анализируя их взгляды хиппи и нестандартные, стреляют в главных героев, убивая их. Чрезвычайно резкий и мощный, этот конец подчеркивает, кроме предвзятости общества к  идеологии хиппи, саму изменчивость человеческой жизни.

Пройдя через большие приключения и трансцендентные переживания, они оба были убиты одним выстрелом, выпущенным совершенно случайным человеком.

7. 400 ударов (Франсуа Трюффо, 1959)

Франсуа Трюффо, наряду с Годаром, Вардой и Рене, является одним из великих мастеров французской Новой волны. Прежде чем стать режиссером, он был критиком и автором легендарного киножурнала Cahiers du Cinema.

В детстве он проводил много времени во французской кинематеке, наблюдая и анализируя классику американского кино. Таким образом он изучил исключительный кинематографический репертуар, который помог ему построить его карьеру в качестве режиссера.

Считается, что первый фильм французского Нувеля Ваге «400 ударов» является самым автобиографическим фильмом французского режиссера. Актер Жан-Пьер Лео играет Антуана Дуанеля.

В этом фильме молодой Дуанель восстает против своей семьи и архаичного школьного образования. Разрывая семейные узы и совершая небольшие уголовные преступления, мальчик сталкивается с авторитарной и репрессивной школой-интернатом, которая заставляет его переосмыслить свои межличностные отношения.

Возможно, один из самых знаковых финалов в истории кино. В конце Дуанель бежит в одиночестве по песку на пляже. Не было бы более совершенной сцены, чтобы завершить это произведение искусства. Одиночество и подростковый страх главных героев отображается в побеге к необъятному морю, неизвестному, страшному и прекрасному.

6. Святая гора (Алехандро Ходоровски, 1973)

Алехандро Ходоровский - настоящий художник: поэт, писатель, режиссер и актер. Родившийся в Чили в семье европейского происхождения, режиссер сделал карьеру как в Мексике, так и в Соединенных Штатах.

Про мастера абсурда и психоделии Ходоровски говорят, что он страдаетманией величия. Его утопический проект по адаптации культовой книги «Дюна» рассчитан на крупнейших звезд (как, например, Сальвадор Дали) и бюджет совершенно не соответствует его стандартам.

Самая известная работа режиссера - это, без тени сомнения, «Святая гора». В кино вор, похожий на Иисуса Христа, идет по странному и религиозному городу.

Заполненный христианскими и языческими символами, главный герой путешествует по разрушенным сценариям и невообразимым существам. Однажды духовный наставник, которого играет сам Ходоровски, приводит его к камере с еще семью людьми, каждый из которых представляет планету в Солнечной системе. Они должны подняться на вершину Святой Горы и занять место Богов.

Конец этой сюрреалистической работы - полный антагонизм того, что ожидалось. Между смертными и богами столкновения не происходит. Однако между фильмом и зрителем происходит столкновение. Прибыв на гору, Ходоровски показывает диалог между мастером и его учениками, а затем показывает то, что меньше всего ожидают зрители: саму камеру.

В мастер-кадре выставляется вся команда, и весь актерский состав смотрит прямо в центр объектива. Были ли зрители богами? Или учениками персонажа Ходоровски?

5. Доктор Стрейнджлав, или Как я научился перестать беспокоиться и любить бомбу (Стэнли Кубрик, 1964)

Еще один замечательный фильм Стэнли Кубрика. На этот раз сатирическая комедия об идеологических столкновениях между Советским Союзом и США, коммунизме и капитализме. Используя основные стереотипы крайностей между советами и американцами, Кубрик строит вселенную бурлеска, достаточную для того, чтобы подвергнуть сомнению само поведение человека.

В этой главной работе по «холодной войне» великий Питер Селлерс играет трех антагонистических персонажей. В этом фильме генерал решает разработать план бомбардировки Советского Союза, идущий вразрез с рекомендацией его страны, инициирующей возможную ядерную войну. Одновременно президент и другие его советники ищут альтернативы для предотвращения такого плана.

К концу фильма бомба вот-вот будет запущена. Придя к такому акту, один из тех, кто отвечает за такую ​​миссию, взбирается на атомный инструмент и, подобно ковбою, направляется к советской земле. Так, доктор Странглов, который работал в нацистской Германии, раскрывает свою (неосознанную, но еще живую) сторону Гитлера.

Таким образом, Кубрик превращает геополитическую ситуацию того времени в настоящий цирк достопримечательностей. Генералы, командиры и президенты показывают себя неуклюжими и сомнительными фигурами. Таким образом, это заслуживающий доверия портрет общества, погруженного в холодную войну.

4. Ребенок Розмари (Роман Полански, 1968)

Роман Полански, один из самых противоречивых режиссеров современности, также является автором нескольких шедевров кино. Начиная с «Ножа на воде», польский режиссер уже был эстетически авантюрным режиссером.

Он снимал спектакли с такими выдающимися звездами, как Катрин Денев («Отталкивание»), а также фильмы в США - «Арендатор», а затем «Горькая луна». Флиртовал с неизвестностью и ужасом. Режиссер зарекомендовал себя как один из великих в этом жанре.

Канон современного ужаса, «Ребенок Розмари» - великая работа Полански. Это фильм о паре, пытающейся завести ребенка. В конце концов, жена начинает подозревать, что ее муж и ее пожилые соседи организовали сатанинскую секту, и, наконец, считает, что собирается родить сына дьявола.

В конце фильма, после предполагаемой смерти ее ребенка, Розмари не прекращает свои расследования и находит скрытый проход в ее квартире. Проходя через дверь, она обнаруживает, что ее муж и бесчисленное множество других участвуют в том, что когда-то казалось невероятным: культ поклонения дьяволу.

Вначале удивленный, главный герой подходит к колыбели своего сына и, воодушевленный участниками культа, начинает заботиться об этом демоническом существе. В этой сцене проявляется паранойя, безумие, растерянность и удивительная любовь к ребенку, в результате чего «Ребенок Розмари» становится одним из самых интригующих и страшных фильмов в истории кино.

3. Великий диктатор (Чарли Чаплин, 1940)

Один из лучших фильмов о фашизме во время Второй мировой войны. В своем первом фильме известный британский режиссер резко критикует государственную систему, популяризированную Адольфом Гитлером и Бенито Муссолини. В «Великом диктаторе» Чаплин рассказывает историю скромного еврейского торговца, которого преследует тиран-диктатор Аденоид Хинкель. Однако во время преследования торговец принимается за губернатора.

Финальная сцена - это знак мирового кинематографа. Действуя как диктатор, торговец должен произнести речь перед своими солдатами и сторонниками. Затем, вместо того, чтобы сказать то, что ожидалось от авторитарного лидера, смиренный гражданин проповедует гуманитарную речь о единении людей.

В единственном кадре, только с быстрой вставкой, линия построена убедительным и заслуживающим доверия способом. Сильный и отчаянный запрос о едином и мирном мире знаменует собой конец фильма и остается в коллективном подсознании. В конце речи он тяжело дышит, как будто человечество достигло предела в том, что касается облегчения боли и страданий в мире.

2. Сталкер (Андрей Тарковский, 1979)

Будучи одним из бесчисленных шедевров советского мастера Андрея Тарковского, «Сталкер», несомненно, является вершиной его кинематографии. Своей обычной философской тематикой и почти наблюдательной камерой Тарковский в целом сохраняет соответствие своей фильмографии. Добавляя все свои обычные языковые черты к серии плотных диалогов, «Сталкер» является настоящим шедевром мирового кинематографа.

Фильм о трех путешественниках, которые въезжают на территорию, запрещенную правительством: Зона. «Сталкер», тот, кто руководит остальными, берет с собой двух других мужчин: «Профессора» и «Писателя». Согласно некоторым рассказам, в Зоне есть комната, в которую каждый, кто входит, может осуществить свои желания. Испытывая ситуации, которые создают опасность для их жизни, эти три спора об их побуждениях войти в место, запрещенное правительством.

В его финале изображена дочь Сталкера по имени Обезьяна, наблюдающая за стаканом молока на своем столе, когда она слышит стук поезда возле своего дома. Внезапно стакан начинает дрожать и, наконец, падает. Записанный с одного дубля, этот финал может символизировать поездку Сталкера в Зону.

В начале фильма главный герой и его жена спорят о здоровье своей дочери и о том, как они хотят, чтобы она поправилась после своей болезни. Была ли Зона способна реализовывать бессознательные желания, такие как желание отца Обезьяны, в отношении ее благополучия, давая ей телекинетические способности? Или стекло просто падает под действием силы, создаваемой поездом?

Такая поэтическая двусмысленность делает конец «Сталкера» большой загадкой для любителей Тарковского.

1. 2001: Космическая Одиссея (Стэнли Кубрик, 1968)

Стэнли Кубрик был одним из самых универсальных режиссеров всех времен. Сатирическая комедия о «холодной войне» («Доктор Стрейнджлав»), тревожная драма о педофиле («Лолита»), эпический фильм о Спартаке («Спартак»), удивительное произведение научной фантастики («2001: Космос» «Одиссея») и ультрафиолетовый антиутопический фильм («Заводной апельсин»).

Это лишь некоторые шедевров Кубрика. Несмотря на все это, фильмы американского режиссера никогда не были номинированы на премию «Лучшая картина» на Оскаре. За всю свою карьеру он никогда не пользовался заслуженным признанием в Академии, но на фестивалях по всему миру его фильмы почти всегда имели успех.

Один из самых загадочных фильмов всех времен «2001: Космическая одиссея» до сих пор звучит в памяти тех, кто был молод в 60-х. Невероятный Кубрик исследовал густую вселенную фантастики и преуспел.

Его фильм разделен на несколько глав, которые символизируют гигантское многоточие в истории человечества. Предыстория фильма начинается с лунной космической станции, где ученых заинтриговал таинственный монолит. Спустя годы на борту космического корабля «Дискавери» Дэвид и Фрэнк отправляются на Юпитер, чтобы исследовать происхождение монолита.

Пережив прибытие в Юпитер, Дэвид попадает в белую комнату и видит себя, лежащего в кровати, на грани смерти. В сценарии сновидения монолит, который появляется внезапно, становится гигантским плодом, плавающим в космосе. Сюрреализм, символизм и тайна наполняют атмосферу. Этому нет объяснений или теорий.

Конец «2001: Космическая одиссея» - это краткое изложение всего, что фильм намеревается показать: значения, созданные из подсознания каждого зрителя, выходящие из рационализма, присутствующего в большинстве уже снятых фильмов.

А конец какого фильма вызвал сильные эмоции у вас?